«É in questo quadro che vanno collocate le quattro ripetizioni di El rey de Francia, nello sforzo di rappresentare un percorso di riavvicinamento a uno stato di maggiore completezza e unità: la prima, interpretata al pianoforte, il più meccanico degli strumenti, esprime la distanza maggiore tra l’essere umano e il suono; la seconda, al contrabbasso, dove le dita del musicista sono a diretto contatto con la corda, mostra la possibilità di un rapporto più stretto con la vibrazione; la terza, al flauto dolce, suggerisce un ulteriore passaggio, perché la respirazione diviene la materia prima, per così dire, che viene poi messa in forma dallo strumento; la quarta, infine, è intonata con la voce, in cui l’unità tra essere umano e suono è armoniosamente compiuta.»

I quattro strumenti si presentano tutti intonando una melodia sefardita, El rey de Francia. Per quanto l’ebraismo sefardita e in generale la Spagna possa essere storicamente la metafora perfetta per rappresentare l’interculturalità, altro tema centrale in Aurora, l’inserimento di questo canto non è frutto di una ricerca meticolosa ma è legato alla storia personale di Paolo: «Quando ero bambino mia madre comprò un cd, Sephardic songs. Lo ascoltavo di continuo ed El Rey de Francia era uno dei pezzi che amavo di più. Quando cominciai a scrivere Aurora pensai subito a questo canto. Attraverso alcune ricerche ho scoperto la storia di questo popolo che nel corso della sua diaspora ha dovuto continuamente relazionarsi con altri. Anche il testo, che poi ho fatto leggere a un linguista esperto, testimonia l’influenza delle varie lingue con le quali i sefarditi vengono in contatto». Nel corso della composizione familiarizziamo di volta in volta con questa melodia antica, presentata sempre sotto nuova veste – o meglio, timbro strumentale – fino a giungere alla quarta variazione del canto, l’ultimo brano, che con l’interagire vivo e affiatato dei quattro strumenti è il coronamento dell’opera.

Un’ulteriore ragione per la quale Paolo sceglie questa canzone sefardita è l’intervallo con cui comincia: una quinta giusta. Aurora è la realizzazione di un’idea che il compositore si appuntò poco dopo aver iniziato gli studi con Franco Cioci in cui si proponeva di scrivere una composizione, che doveva intitolarsi Origini, basata interamente su questo intervallo e su una interpretazione simbolica degli strumenti musicali.

«Il primo intervallo (distanza/relazione tra due suoni) di El rey de Francia è una quinta giusta e assume, […] un rilievo particolare in tutto il progetto nel suo evocare un’esperienza antica e originaria. Esso regola il rapporto tra i brani realizzando due sguardi: uno, per quinte ascendenti, rivolto al Cielo, nelle quattro versioni di El rey de Francia, l’altro, per quinte discendenti, rivolto alla Terra negli altri tre brani. In particolare, per Luminescenze, Aurora e Da una grigia nuvolaglia indifferente, la quinta rappresenta anche il centro generatore da cui ogni elemento ha origine, sebbene incrociandosi e compromettendosi, per così dire, con altre esperienze. Tuttavia, non si tratta di un centro statico, perché a esso ho voluto attribuire la possibilità di un percorso di emancipazione, che prende le mosse dalla rigidità delle strutture di Luminescenze – a cui fanno, però, da contraltare le imprevedibili e interagenti relazioni tra le vibrazioni dello strumento – fino alla relativa libertà raggiunta in Da una grigia nuvolaglia indifferente. Qui il pianoforte, nel suo essere macchina, cerca una sua umanità attraverso la ricerca di un canto, mentre il contrabbasso e il flauto dolce in qualche modo diventano le sue risonanze, in un abbraccio luminoso che ancora una volta spinge verso un ideale collaborativo e che anticipa una nuda esposizione di dodici quinte ascendenti a conclusione dell’esperienza.»

Aurora è impregnata di una profonda ricerca spirituale e, proprio come auspicava Paolo, essa rende possibile la riconnessione con noi stessi; ma allo stesso momento è capace di guardare la realtà, la nostra realtà politica-sociale nella quale, per esempio, i problemi della migrazione e delle difficoltà legate al dialogo interculturale sono da lungo tempo in primo piano.  Paolo sottolinea, infatti, che egli non vuole una musica che ci addormenti, che ci sottragga dalla realtà, ma che al contrario stimoli la nostra capacità di ascoltare e aprirsi all’Altro, e così ci permetta di vivere con maggiore pienezza e intensità. 

«[…]non si tratta di mettere insieme, una accanto all’altra, culture diverse, quanto di farle vivere insieme in un costante tentativo di arricchimento reciproco che non diventi, però, necessariamente un indebolimento della propria identità. Si tratta cioè, di mettersi in relazione, cosa ben diversa dalla constatazione del mero essere in relazione, perché implica un desiderio che presto diventa sforzo ma anche gratificazione nell’inevitabile incontro con l’alterità. E questo vale sia nei rapporti tra persone appartenenti a tradizioni culturali lontane tra loro, sia in quelli che si svolgono entro i limiti di aree culturali più omogenee, ma forse ancor più nei rapporti delle persone con se stesse: una palestra straordinaria dove imparare a riconoscere le frequenti incongruenze, distorsioni e stravolgimenti tra quello che si pensa di essere/diventare e quello che si è/diviene […]»

Il coraggio del progetto musicale di Paolo sta nel fatto di darsi per quel che è, senza la pretesa di discorsi eloquenti o logocentrici – dai quali per l’appunto la nostra cultura occidentale vorrebbe tanto sfuggire senza riuscirci, come ricorda anche il libro al quale la composizione si lega –, facendoci semplicemente godere dell’esperienza sonora e spirituale della musica. In un mondo dove la bravura si confonde troppo spesso con la complessità e un linguaggio cervellotico, la via percorsa dal compositore, e soprattutto dalla personalità profonda di Paolo Cognetti, è un’alternativa più umana.

Articolo di Anna Farkas